Numerosos músicos y pedagogos de renombre de todo el mundo han venido a trabajar con Bolivia Clásica desde el 2011.
Algunos se quedan por varios meses, otros por algunas semanas, otros imparten clases en línea, muchos han retornado más de una vez (de los cuáles algunos han comenzado proyectos pripios) y algunos incluso se han quedado a vivir en Bolivia.
Siempre inspirados, continúan inspirándonos con su arte, su rigor, y su generosidad humana.
Leticia Moreno, Violinista
Reconocida como una violinista verdaderamente fascinante y versátil, Leticia Moreno ‘cautiva tanto al público como a la crítica con su carisma natural, virtuosismo y profunda fuerza interpretativa’.
Ha actuado con los directores más renombrados como Zubin Mehta, Esa-Pekka Salonen, Paavo Jarvi, Vladimir Ashkenazy, Christoph Eschenbach, Yuri Temirkanov, Krzysztof Penderecki, Andrés Orozco-Estrada, Josep Pons, Juanjo Mena, Gustavo Gimeno, Peter Eötvös y Andrey Boreyko, entre otros.
También ha actuado con orquestas de renombre como la Sinfónica de Viena, la Filarmónica de San Petersburgo, la Philharmonia, la Orquesta de Cámara Mahler, la Sinfónica Nacional de Washington, la Orquesta Mariinsky, la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo, la Academia de St. Martin-in-the-Fields y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, y es invitada habitual de la mayoría de las principales orquestas españolas.
Leticia estrenó recientemente el nuevo concierto para violín de Jimmy López, «Aurora», con la Orquesta Sinfónica de Houston y Andrés Orozco Estrada, con aclamación crítica. La temporada pasada debutó con la Orquesta NCPA en Beijing, dirigida por Vladimir Ashkenazy, la Orquesta Philarmonia con Paavo Jarvi, el Festival de Primavera de Praga y el Festival Rostropovich, y regresó a la Royal Philarmonic Orchestra y la Orquesta Gulbenkian.
La temporada 2019/2020 de Leticia marcará su debut con la Filarmónica de Helsinki y Peter Eötvös, así como con la Orquesta Sinfónica NHK de Tokio con Paavo Jarvi. Leticia también actuará con la Orquesta del Mozarteum y Andrey Boreyko, la Deutsche Radio Philarmonie con Josep Pons, la Orquesta de Cámara Música Viva de Moscú y la Orquesta del Teatro San Carlo.
Como una entusiasta recitalista y músico de cámara, Leticia ha colaborado con Sol Gabetta, Bertrand Chamayou, Kirill Gerstein, Alexander Ghindin, Lauma Skride, Mario Brunello, Leonard Elschenbroich, Ksenija Sidorova y Maxim Rysanov.
Leticia lanzó su último álbum, Piazzolla, en Deutsche Grammophon, grabado en Abbey Road Studios en Londres y Emil Berliner Studio en Berlín con la Orquesta Filarmónica de Londres y Andrés Orozco-Estrada. Leticia también ha grabado recientemente dos CDs para Universal/Deutsche Grammophon: Spanish Landscapes, un estudio de la música española (Sarasate, Lorca, Granados, Falla, etc.) y el Concierto para violín No. 1 de Shostakovich con la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo dirigida por Yuri Temirkanov.
Leticia estudió con Zakhar Bron, Maxim Vengerov y Mtislav Rostropovich en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, la Hochschule für Musik und Tanz en Colonia y la Guildhall School en Londres, y fue la miembro más joven de la prestigiosa fundación Alexander von Humboldt. Leticia Moreno ha ganado concursos internacionales de violín como Szeryng, Concertino Praga, Novosibirsk, Sarasate y Kreisler, además de ser galardonada con el Echo Rising Star.
Nacida en España y de ascendencia peruana, Leticia Moreno ha desarrollado fuertes vínculos con Latinoamérica, especialmente con su país de origen, al que regresa cada temporada para tocar, lo que cuenta como corolario su reciente estreno mundial del nuevo concierto para violín de Jimmy López, «Aurora», en Houston y Lima. Leticia interpreta un Nicola Gagliano de 1762.
Jaime Laredo, Violinista y Director de orquesta
Con más de cinco décadas de experiencia actuando ante públicos de todo el mundo, Jaime Laredo ha destacado en múltiples facetas como solista, director, recitalista, pedagogo y músico de cámara. Desde su impresionante debut orquestal a los once años con la Sinfónica de San Francisco, se ha ganado la admiración y el respeto del público, críticos y sus colegas músicos con sus apasionadas y pulidas interpretaciones. Ese debut inspiró a un crítico a escribir: «En la década de 1920 fue Yehudi Menuhin; en la de 1930, Isaac Stern; y anoche, Jaime Laredo». Su formación y desarrollo estuvieron muy influenciados por sus maestros Josef Gingold e Ivan Galamian, así como por las clases particulares con los eminentes maestros Pablo Casals y George Szell. A los diecisiete años, Jaime Laredo ganó el prestigioso Concurso Queen Elisabeth of Belgium, lo que le catapultó a la prominencia internacional. Con el 2009 marcando el 50 aniversario de su premio, tuvo el honor de formar parte del jurado para la ronda final del concurso.
La temporada 2009-2010 incluye varias actuaciones como director y solista, apareciendo como director y solista con la Filarmónica de Fort Wayne y dirigiendo la Vermont Symphony Orchestra con el solista Andre Watts. El Sr. Laredo también colabora regularmente con su esposa Sharon Robinson en conciertos. Esta temporada, interpretan «El relicario de un niño» de Richard Danielpour para violín, chelo y orquesta con la Vermont Symphony Orchestra, obra que también grabarán como pieza culminante de un ambicioso proyecto de estreno y grabación de conciertos dobles recién encargados en todo Estados Unidos. También interpretaron la obra en el Festival de Música del Atlántico en julio de 2009. Ambos fueron recientemente nombrados directores artísticos de la Serie de Música de Cámara de Linton en Cincinnati, Ohio, distinción para la que fueron seleccionados personalmente.
Durante temporadas anteriores, el Sr. Laredo dirigió y actuó con la Sinfónica de Seattle, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de San Francisco, la Sinfónica de Pittsburgh, la Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de San Luis y la Orquesta de Filadelfia, entre muchas otras. En el extranjero, el Sr. Laredo ha actuado con la Sinfónica de Londres, la Sinfónica de la BBC, la Orquesta de Cámara Inglesa, la Academia de St. Martin-in-the-Fields, la Filarmónica Real y la Orquesta de Cámara Escocesa, a la que dirigió en dos giras estadounidenses y en su debut en el Festival de Hong Kong. Sus numerosas grabaciones con la SCO incluyen Las Cuatro Estaciones de Vivaldi (que se mantuvo en las listas británicas de éxitos de ventas durante más de un año), Sueño de una noche de verano de Mendelssohn, las sinfonías «Italiana» y «Escocesa», el Concierto para violín de Beethoven y grabaciones de las oberturas de Rossini y el Idilio de Sigfrido de Wagner.
Jaime Laredo es violinista del Trío Kalichstein-Laredo-Robinson, fundado hace 33 años por el Sr. Laredo, la Sra. Robinson y el pianista Joseph Kalichstein. El Trío se presenta regularmente en el Carnegie Hall, la 92nd Street Y de Nueva York y el Kennedy Center. Han realizado giras internacionales en ciudades como Lisboa, Hamburgo, Copenhague, Londres, París, Ámsterdam, Viena, Helsinki, Buenos Aires, Tokio, Sídney y Melbourne. En la temporada 2009-2010, ofrecerán conciertos en Berna (Suiza), en el Festival de Primavera de Seúl en Corea del Sur y en Londres, donde volverán a actuar en el Wigmore Hall. En cuanto a grabaciones, E1 Music (anteriormente KOCH Records) lanzó los dos primeros discos de un conjunto de cuatro del Ciclo de Brahms de tríos para piano completos en 2008; en otoño de 2009, se lanzará el segundo conjunto. En 2001, el trío fue nombrado Conjunto del Año 2002 de Musical America.
Durante quince años, el Sr. Laredo fue violista de un Cuarteto para Piano junto al renombrado pianista Emanuel Ax, el célebre violinista Isaac Stern y el distinguido chelista Yo-Yo Ma, colegas cercanos y colaboradores de música de cámara. Juntos, el Cuarteto grabó casi todo el repertorio para cuarteto de piano para el sello SONY Classical, incluyendo las obras de Beethoven, Mozart, Schumann, Fauré y Brahms, por las que ganó un Premio Grammy.
El Sr. Laredo ha grabado cerca de cien discos, recibió el Premio Deutsche Schallplatten y siete nominaciones al Grammy. Sus discos para CBS y RCA incluyen las Sonatas completas de Bach con el fallecido Glenn Gould y un álbum KOCH International Classics de dúos con la Sra. Robinson, que incluye obras de Händel, Kodäly, Mozart y Ravel. Sus lanzamientos con el sello audiófilo Dorian incluyen las obras completas para violín y piano de Schubert con Stephanie Brown, y Virtuoso!, una colección de bises para violín con la pianista Margo Garrett. Otros lanzamientos incluyen la Sinfonía Concertante y el Concertone de Mozart con Cho-Liang Lin para Sony. En mayo de 2000, KOCH lanzó el conjunto de dos CDs del Trío Kalichstein-Laredo-Robinson con las obras de cámara de Maurice Ravel, tras los tríos y sonatas completos de Shostakovich.
Reconocido internacionalmente por sus métodos de enseñanza, el Sr. Laredo ha impulsado la formación de violinistas como Leila Josefowitz, Hilary Hahn, Pamela Frank, Jennifer Koh e Ivan Chan. Tras 35 años de docencia en el Instituto Curtis de Música en Filadelfia, el Sr. Laredo ocupa actualmente una cátedra en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana, donde su esposa, Sharon Robinson, también imparte docencia. Además, el Sr. Laredo dirige la Orquesta de Cuerdas de Nueva York en el Carnegie Hall, que reúne a jóvenes músicos de todo el mundo cada diciembre.
Con gran demanda mundial como director y solista, el Sr. Laredo ha sido director musical de la Orquesta Sinfónica de Vermont desde 1999. También es director artístico del Brandenburg Ensemble, consejero artístico de la Filarmónica de Fort Wayne y director artístico de la serie Y de Música de Cámara en la 92nd Street Y en Nueva York.
Como Director Artístico de la renombrada serie Y de Música de Cámara de Nueva York, el Sr. Laredo ha creado un importante foro para las interpretaciones de música de cámara, que ha generado una gran cantidad de seguidores. Su gestión del Seminario Anual de la Orquesta de Cuerdas de Nueva York en el Carnegie Hall y del Concurso Internacional de Violín de Indianápolis se ha convertido en pilares educativos muy apreciados por la comunidad de cuerdas. Figura principal del Festival de Música de Marlboro en años anteriores y, más recientemente, del Festival de Música de Aspen, también ha participado en Tanglewood, Ravinia, Mostly Mozart y el Hollywood Bowl, así como en festivales de Italia, España, Finlandia, Grecia, Israel, Austria, Suiza e Inglaterra.
Nacido en Bolivia, Jaime Laredo reside en Vermont e Indiana con su esposa Sharon Robinson.
Katharine Gowers, Violinista
Katharine Gowers se ha presentado en recitales y como músico de cámara por toda Gran Bretaña y en el extranjero, colaborando con artistas como Alfred Brendel, con quien tocó en un cuarteto de piano en una gira mundial de música de cámara, Imogen Cooper, Isabelle Faust, Steven Isserlis, Pekka Kuusisto, Christian Tetzlaff, Denes Varjon y Lars Vogt. Ha participado en colaboraciones de música de cámara en la Schubertiade Schwarzenberg y los Aldeburgh Proms, así como en los festivales de Cheltenham, City of London, Delft, Edimburgo, Heimbach, Lucerna, Resonances, Salzburgo y Spoleto.
Las apariciones de Katharine en conciertos incluyen actuaciones con las orquestas de la Royal Philharmonic, la Bournemouth Symphony y la Royal Liverpool Philharmonic, así como con la BBC Big Band y el Chicago Jazz Ensemble. También realizó giras con Nigel Kennedy y la Orquesta de Cámara Inglesa, interpretando el Concierto para violín doble de Bach.
Para el Festival de Música de Cheltenham de 2012, Katharine comisarió como curadora invitada la Cápsula del Tiempo: 1914-18, una serie de tres días de conciertos y eventos relacionados centrados en este período.
Durante 2018-19, pasó tres meses en dos viajes a La Paz, Bolivia, impartiendo clases en Bolivia Clásica, una organización sin fines de lucro y escuela de música creada por Ana María y Armando Vera. Durante el primer confinamiento de 2020, impartió clases a estudiantes de Bolivia Clásica durante tres meses por Skype.
Katharine estudió con David Takeno en la Escuela Yehudi Menuhin y en el Guildhall School of Music, donde ganó la Medalla de Oro; con Roland y Almita Vamos en el Conservatorio de Oberlin en Ohio; con Joey Corpus en Nueva York; y en clases magistrales con Denes Zsigmondy en Alemania.
Se ha presentado en transmisiones de la BBC Radio 3 y en diversas cadenas europeas, y ha grabado para EMI Classics y Somm.
Sharon Robinson, Chelista
Ganadora del Avery Fisher Recital Award, el Piatigorsky Memorial Award, el Pro Musicis Award y nominada al Grammy, la chelista Sharon Robinson es reconocida mundialmente como una artista dinámica y una de las músicas más destacadas de nuestro tiempo. Ya sea como recitalista, solista con orquesta o miembro del renombrado Kalichstein-Laredo-Robinson Trio, los críticos, el público y otros músicos de todo el mundo responden a lo que el New York Times llamó «una personalidad artística que vitaliza todo lo que toca». Sus apariciones como invitada con orquesta incluyen la Sinfónica Nacional, las Orquestas de Filadelfia y Minnesota, la Filarmónica de Los Ángeles, las Sinfónicas de Boston, Baltimore, Dallas, Houston, Pittsburgh, St. Louis y San Francisco, y en Europa, la Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Helsinki, la Orquesta Tonhalle de Zúrich y las Orquestas de Cámara Inglesa, Escocesa y Franz Liszt. Designada para la reconocida facultad de chelo de la Escuela de Música de la Universidad de Indiana en 2005, la Sra. Robinson divide su tiempo entre la enseñanza, compromisos como solista, actuaciones con su esposo, el violinista y director Jaime Laredo, y giras con el Trío Kalichstein-Laredo-Robinson.
Philip Dukes, Violista
Reconocido como uno de los mejores violistas del mundo, Philip Dukes ha disfrutado de una carrera de más de 30 años como consumado solista de conciertos, recitalista y músico de cámara.
Debutó en un recital en 1991 en el Southbank Centre de Londres, aclamado por The Times como «el violista más destacado de Gran Bretaña» y por The Strad como «de talla mundial». Ganador del codiciado Premio Europeo a las Estrellas Emergentes en 1997, debutó inmediatamente en recitales en Viena, Estocolmo, Fráncfort, París y Ámsterdam con aclamación de la crítica, y posteriormente actuó como solista con todas las principales orquestas del Reino Unido.
Ha actuado como solista en los BBC Proms en numerosas ocasiones, incluyendo una en la que su interpretación con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de Sir Andrew Davis en el Triple Concierto de Sir Michael Tippett fue grabada en directo para el sello Deutsche Grammophon. Además, Philip ha grabado extensamente para los sellos discográficos Chandos, Naxos, Nimbus, BIS e Hyperion, además de grabar y emitir regularmente para BBC Radio 3. También ofreció el estreno mundial del Concierto para violín, viola y orquesta de Benjamin Britten.
Philip ha mantenido una estrecha colaboración musical con Yehudi Menuhin, György Kurtág, Daniel Hope, Tasmin Little, Julian Lloyd Weber, Michael Tree, Sir Richard Rodney Bennett, el Beaux Arts Trio, Debbie Wiseman y Sir Andrew Davis. En colaboraciones más diversas, Philip ha trabajado con artistas como Eric Clapton, Sir Paul McCartney, Massive Attack, Madonna, Björk, Bryan Ferry, Nigel Kennedy, Robbie Williams, Oasis y David Gilmour.
Con gran demanda a nivel mundial como director/director de orquesta/solista, ocupa puestos como profesor invitado en la Royal Academy of Music de Londres, la Wells Cathedral School y también es director artístico del Marlborough College. Philip fue elegido unánimemente miembro de la Guildhall School of Music and Drama en 2006 y, en 2007, fue nombrado Asociado Honorario de la Royal Academy of Music. Philip Dukes también es Director Artístico Asociado del Festival de Música de Savannah en Georgia, EE. UU.
Entre los eventos más destacados de la temporada 2025/26 se incluyen actuaciones en todo el Reino Unido, una serie de emisiones para BBC Radio 3, conciertos en Alemania, Francia (Palacio de Versalles), Hong Kong, China y Japón. En 2025/26, Philip también actuará con el Cuarteto de Cuerdas Escher (EE. UU.), la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center de Nueva York, la Sinfonia Smith Square y The London Mozart Players.
El último lanzamiento solo de Dukes interpretando Elgar y Herbert Howells junto a la Orquesta Sinfónica Nacional del Reino Unido, recibió una gran aclamación de la crítica, con la revista Gramophone comentando: «Dukes es el solista sumamente elocuente aquí, tocando con un tono resonante y sonoro, integrándose bellamente con sus colegas».
Su último lanzamiento es como solista destacado en la banda sonora de la aclamada serie Wolf Hall de la BBC
Sarah Hershkowitz, Soprano
Descrita por Opernwelt como poseedora de «una voz flexible y hermosa, con una presencia imponente, como la de un animal hermoso y salvaje», Sara Hershkowitz se ha consolidado como una de las intérpretes más electrizantes y originales de su generación. Como una artista de versatilidad excepcional, la Sra. Hershkowitz ha sido aclamada por sus interpretaciones de roles barrocos y mozartianos. En los últimos años, ha mostrado un interés especial por los compositores de los siglos XX y XXI.
Nativa de Los Ángeles, Sara Hershkowitz ha sido nominada tres veces a Cantante del Año por Opernwelt, la más reciente en 2020 por su interpretación de la Soprana 1 en «Al Gran Sole Carico d’Amore» de Luigi Nono en el Teatro de Basilea. Anteriormente fue nominada por sus papeles de Zaide en «Zaide-Adama» de Chaya Czernowin/W.A. Mozart y de Donna Anna en «Don Giovanni» en el Teatro de Bremen.
La Sra. Hershkowitz comienza su temporada 2022-2023 con su debut como Cleopatra en Marc Antonio e Cleopatra de J.H. Hasse, con la Orquesta Sinfónica de la Radio NDR y bajo la dirección de David Stern. En la misma temporada, interpretará Misterios de lo Macabro de György Ligeti en la Filarmónica de Colonia, con Matthias Pintchercomo como director de la Gürzenich-Orchestra de Cologne. En noviembre de 2023, la Sra. Hershkowitz interpretará Verano de Knoxeville de 1915 de Samuel Barber con la Sinfónica de Amarillo, bajo la dirección de George Jackson, con una sorpresa especial de bluegrass con música original de Sara Hershkowitz y Max Hoetzel. También en 2023, con el sello Naxos, la Sra. Hershkowitz lanzará un álbum de canciones de arte del compositor Erich Zeisl, junto con la pianista Gloria Cheng.
En su temporada 2021-2022, la Sra. Hershkowitz debutó en el Concertgebouw de Ámsterdam como Gepopo/Venus en Le Grand Macabre de Ligeti, bajo la dirección de James Gaffigan. En la temporada 2019-2020, la Sra. Hershkowitz recibió elogios de la crítica por su papel de Soprano 1 en Al Gran Sole Carico D’Amore de Luigi Nono en el Teatro de Basilea. En la misma temporada, fue solista invitada de la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC, interpretando Misterios de lo Macabro de Ligeti, y además cantó el estreno mundial de Wir Sind So Frei del compositor Michael Wertmüller en la Filarmónica de Colonia. En enero de 2020, la Sra. Hershkowitz interpretó una Liederabend con la pianista Elisabeth Leonskaja, que incluía obras previamente desconocidas del compositor de la segunda escuela vienesa Philip Hershkowitz, incluyendo obras de su maestro, Alban Berg, en la ORF Radio Wien. Otros debuts programados para 2020 incluyen el papel de la Doncella en «Powder Her Face» de Thomas Adès; en la Ópera de Tours, las «Cinco canciones después de Safo» de Esa-Pekka Salonen con la Filarmónica de Londres; la Novena Sinfonía de Beethoven con el Teatro de Bonn; y el debut como Cleopatra en «Giulio Cesare» de Händel con la Ópera Fuoco en la Herrenhaus de Hannover.
Entre los momentos más destacados de la temporada 2018-2019 se incluyen los debuts con la Filarmónica de Los Ángeles en la puesta en escena de Yuval Sharon de Europeras de John Cage; la creación del papel de Claire Claremont en el estreno mundial de Diodati. Unendlich de Michael Wertmüller en el Teatro de Basilea; Gloria de Vivaldi con el director Nicholas McGegan y la Sinfónica de Detroit; Juego de palabras acróstico de Unsuk Chin y Misterios de lo macabro de Ligeti, junto al director Edward Gardner y la Filarmónica de Bergen.
En la temporada 2017-2018, Sara Hershkowitz emocionó tanto al público como a la crítica con su propia y controvertida puesta en escena de Misterios de lo macabro de Ligeti junto a la Orquesta del Norte de los Países Bajos. En la misma temporada, debutó con la Ópera de Nueva Orleans como Eurídice en Orfeo en los Infiernos de Offenbach. En 2016-17 interpretó Zerbinetta en Ariadna en Naxos de Strauss para la Nordnorsk Opera og Symfonieorkester.
Como ex artista principal de la Ópera de Bremen, la Sra. Hershkowitz interpretó papeles como Sophie en El caballero de la rosa, la institutriz en Otra vuelta de tuerca de Benjamin Britten, Gepopo/Venus en El gran macabro de Ligeti y el papel principal de Zaide en Zaide-Adama de Chaya Czernowin/W.A. Mozart.
Sara Hershkowitz ha sido invitada frecuente del conjunto barroco parisino Opera Fuoco de David Stern, con quien interpretó el papel principal en la recientemente redescubierta ópera Zanaida de J.C. Bach, que realizó una gira por el Festival de Bach de Leipzig y la Konzerthaus de Viena.
La Sra. Hershkowitz fue miembro del Salzburger Festspiele Young Singers Project, de la Academie Lyrique en Aix-en-Provence y se licenció en la Manhattan School of Music.
También prolífica escritora y cantautora, Sara Hershkowitz interpreta y graba música americana/bluegrass bajo el nombre artístico de Sara Shiloh Rae. Junto con su banda, Bluebird Junction, ha aparecido dos veces en Bluegrass Today, la publicación de bluegrass más extensa del mundo. Su álbum debut de composiciones originales, titulado Sara Shiloh Rae & Bluebird Junction, fue lanzado en 2020. En 2023, la banda lanzó un nuevo EP, una versión muy original de canciones de Stephen Sondheim, arregladas para una banda de cuerdas inspirada en la americana/bluegrass.
Guy Johnston, Chelista
Guy Johnston es un reconocido chelista británico, reconocido por su excepcional talento y habilidad artística. Sus primeros éxitos incluyen el premio de la BBC Young Musician, y premios importantes, como el Premio Gerald MacDonald de la Orquesta Sinfónica Shell de Londres, el Premio Suggia Gift y el Premio Brit al Joven Intérprete Clásico Británico.
Ha actuado con numerosas orquestas internacionales de renombre, como la Filarmónica de Londres, la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, la Orquesta Sinfónica NHK, la Sinfónica de la BBC, la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo y la Sinfónica de San Petersburgo. Temporadas recientes incluyen un BBC Prom con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, conciertos con The Hallé, Philarmonia Orchestra, la Orquesta Filarmónica Real, la Orquesta de la Ópera Norte, la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Orquesta Aurora, la Royal Northern Sinfonia y la Orquesta de The Swan. Recientemente, fue el solista destacado de «The Protecting Veil» de Taverner en la gira de la Britten Sinfonia por el Reino Unido e Irlanda en 2024, recibiendo elogios de la crítica en The Guardian y Arts Desk. Guy también participó en cuatro interpretaciones más de «The Protecting Veil» con la Britten Sinfonia en octubre de 2025: en el Hatfield House Music Festival, el Festival de Música de Cambridge y dos interpretaciones en la Iglesia Ortodoxa de Santa Sofía en Londres, que se grabarán con Signum Records.
Interpretaciones y grabaciones con eminentes directores incluyen colaboraciones con Alexander Dmitriev, Andrew Manze, Sir Andrew Davis, Daniele Gatti, Ilan Volkov, Leonard Slatkin, Mark Wigglesworth, Robin Ticciati, Sir Roger Norrington, Sakari Oramo, Vassily Sinaisky, Yan Pascal Tortelier y Yuri Simonov.
Guy es un apasionado defensor de la música de cámara y de los recitales, siendo director artístico fundador del Hatfield House Music Festival, de Music at Minterne, y actúa regularmente en prestigiosos recintos y festivales de toda Europa, incluyendo Wigmore Hall, el Museo del Louvre, el Conservatorio Chaikovski de Moscú y el Festival de los Tres Coros, colaborando con instrumentistas como Anthony Marwood, Brett Dean, Huw Watkins, Janine Jansen, Kathy Stott, Lawrence Power, Melvyn Tan, Mishka Rushdie Momen, Sheku Kanneh-Mason y Tom Poster.
Como un prolífico artista discográfico que a menudo promueve a compositores británicos contemporáneos, Guy ha publicado recientemente el Concierto para chelo de Dobrinka Tabakova con The Hallé y «Night Seasons» de Rebecca Dale con la Philarmonia Orchestra. Otras grabaciones incluyen el estreno del Concierto para chelo de Herbert Howells completado, con la Britten Sinfonia; un disco conmemorativo del tricentenario de su chelo David Tecchler, con encargos de Charlotte Bray, David Matthews, Mark Simpson, y una colaboración con la aclamada Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma, donde se fabricó el chelo. En julio de 2025, se publicó la reciente grabación de Guy del Concierto para chelo de Bliss con la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, coincidiendo con el 50º aniversario de Bliss. Próximos lanzamientos también incluyen la última grabación de Guy de My Faraway Nanjing de Xiaogang Ye con la RLPO.
Estrenó «Falling in the Fire» de Charlotte Bray en los BBC Proms, «Cello Sonata» de Joseph Phibbs en el Wigmore Hall, y más recientemente ofreció el estreno mundial de «Woven» de Donnacha Dennehy, un dúo para chelo y marimba, encargado por el Festival de Westport en septiembre de 2025. Otros estrenos incluyen dos obras de Matthew Kaner: Sonatina Scordatura para chelo solo, cuyo estreno mundial se realizará en el Hatfield House Music Festival en octubre de 2025, y una nueva Sonata que se estrenará en el Wigmore Hall en mayo de 2026. En 2026 también se estrenará mundialmente el Concierto para chelo de Joseph Phibbs para Guy y la Orquesta Sinfónica de la BBC.
Además de una activa y versátil carrera como solista internacional, músico de cámara y solista invitado, Guy es un inspirador líder para jóvenes músicos. Fue profesor asociado de chelo en la Escuela de Música Eastman de Rochester, Nueva York (2018-2024). Preside la Asociación Europea de Profesores de Cuerda y es profesor de chelo en la Royal Academy of Music en Londres desde septiembre de 2025. Guy es mecenas de varias organizaciones benéficas que promueven la educación musical para escolares y jóvenes, como Music First y Future Talent. También es miembro de la junta del Premio Pierre Fournier para jóvenes chelistas.
Guy Johnston toca el chelo de Antonio Stradivari de 1692, conocido como «Segelman, ex Hart», amablemente prestado a él a través de la Sociedad Internacional de Violín de Beare por un generoso mecenas. Él es un Larsen String Artist.
Matthew Hunt, Clarinetista
Uno de los clarinetistas más destacados de Europa, Matthew Hunt es un músico excepcional, reconocido por la calidad vocal de su interpretación y su capacidad para conectar con las audiencias. Matthew disfruta de una trayectoria internacional como solista y músico de cámara, y actualmente ocupa el puesto de clarinetista solista de la Deutsche Kammerphilarmonie de Bremen.
Como solista, Matthew ha colaborado recientemente con los directores Paavo Jarvi, Trevor Pinnock, Clemens Schuldt, Alexei Ogrintchuok y Reinhard Goebbel, y con orquestas como la Deutsche Kammerphilarmonie, la Orquesta de Cámara de Georgia, la Orquesta de Cámara del Concertgebouw, la Orquesta del Festival de Estonia y como invitado de la Filarmónica de Berlín en su ciclo de conciertos en la Sala de Música de Cámara de la Filarmónica de Berlín.
Distinguido músico de cámara, entre sus compañeros se encuentran los cuartetos Meta4, Chiarascuro, Pavel Haas y Elias, así como Pekka Kuusisto, Alina Ibragimova, Thomas Adès, Emily Beynon, Nicholas Aldstaedt, Antoine Tamestit, Cedric Tiberghien, Steven Isserlis, Tine Thing Helseth, Elisabeth Leonskaja, Alexander Lonquich y el pianista de jazz Iiro Rantala. Ha actuado en muchos de los escenarios y festivales más prestigiosos de Europa, y en lugares tan lejanos como Bolivia, India y China.
Sus planes para la próxima temporada incluyen presentaciones en festivales en Holanda, Finlandia y Estados Unidos, una gira en trío por China, interpretaciones del concierto de Mozart con la Deutsche Kammerphilarmonie, conciertos en Australia con la Orquesta de Cámara Australiana y Pekka Kuusisto, y interpretaciones del concierto para clarinete de Magnus Lindberg en Columbia con Andrew Gourlay.
Como artista discográfico, Matthew ha realizado emisiones para radio y televisión, además de participar en numerosas bandas sonoras de películas; fue el clarinetista solista en la banda sonora de la exitosa película «Love Actually». Su grabación en CD para el sello ASV del Quinteto para clarinete de Mozart recibió cinco estrellas de la revista BBC Music Magazine y fue aclamada como: «la grabación de referencia de esta obra tan grabada».
Adrian Brendel, Chelista
Uno de los chelistas más versátiles y originales de su generación, Adrian Brendel ha viajado por el mundo como solista, colaborador y profesor. Su temprana inmersión en el repertorio clásico fundamental inspiró una fascinación perdurable que le ha llevado a conocer a numerosos músicos de renombre en los festivales y salas de conciertos más prestigiosos del mundo. Su descubrimiento de la música contemporánea a través de las obras de Kurtag, Kagel y Ligeti en su adolescencia le abrió una vía vital que continúa explorando con gran entusiasmo, junto con su pasión por la improvisación y la curación de programas. En 2014 se unió al Nash Ensemble de Londres, con quienes cursa una residencia en el Wigmore Hall durante todas las temporadas. A partir de 2025, será codirector artístico del grupo junto con el pianista Simon Crawford-Phillips. Adrian ha grabado una amplia gama de música para Philips, Hyperion, ECM new series, NMC, Bis y otros sellos discográficos. Estos incluyen un recorrido por la obra completa de Beethoven para chelo y piano con su padre, Alfred Brendel; una colección de piezas dedicadas a él durante los muchos años de valiosa colaboración con Sir Harrison Birtwistle; y gran parte del repertorio fundamental de música de cámara.
2026 marcará el inicio de la gestión de Adrian como director artístico del Bath Mozartfest y el Bachfest, uno de los festivales de música clásica más consolidados del Reino Unido. Como fundador del festival Plush en Dorset entre 1995 y 2017, forjó un estilo de programación original que combina diversas líneas temáticas de una amplia gama musical, desde Machaut hasta la actualidad. El festival atrajo a artistas como Sir Andras Schiff, Radu Lupu, Lawrence Power, Miklos Perenyi, Oliver Knussen y John Taylor, entre muchos visitantes habituales, y presentó música de más de 100 compositores contemporáneos. Una nueva iniciativa musical, la fundación Tree of Strings, comenzará en el suroeste de Inglaterra en 2026, con un enfoque especial en los jóvenes músicos y la formación.
Adrian es una presencia habitual en muchos de los festivales más importantes de Europa, como la Schubertiade Schwarzenberg, Verbier, Aldeburgh, Edimburgo y Salzburgo. Actúa como solista con orquestas como la NDR de Hamburgo, la Gulbenkian, la Academy of St Martins, la Philharmonia y la RSNO, y en recitales con Till Fellner, Alasdair Beatson, Dame Imogen Cooper y Denes Varjon. Sus numerosos compañeros de música de cámara incluyen los cuartetos Takacs, Ebene, Belcea y Jerusalem, el Ensemble 360, Viviane Hagner y Lawrence Power. Adrian fue nombrado miembro honorario de la Royal Academy of Music en 2021, donde también imparte clases magistrales como profesor invitado, además de una clase de chelo en la escuela Guildhall en Londres y clases particulares. Cada vez más solicitado como profesor, su agenda lo lleva a academias de toda Europa cada año.
David Stern, Director de orquesta
David Stern es un director de orquesta internacional, creador de proyectos originales, promotor de obras poco comúnes y mentor de los cantantes del futuro. Recientemente nombrado director musical de la Ópera de Palm Beach tras 11 años como director principal, también fue director musical de la Ópera de Israel en Tel Aviv, de la Ópera de San Galo en Suiza, y anteriormente dirigió la Philharmonie Südwestfalen en Alemania. En 2003 fundó la Ópera Fuoco, compañía de ópera independiente con sede en París, a la que añadió su aclamado programa de Jóvenes Artistas en 2008. Desde entonces, este programa ha formado a algunas de las voces más importantes en Europa en la actualidad. La compañía se encuentra a mitad de una residencia de tres años en la Ópera de Massy en París, para producciones bianuales que sirven de plataforma para que jóvenes artistas colaboren con directores de escena, coreógrafos, coros y conjuntos, tanto de renombre como emergentes.
Entre los momentos más destacados de esta temporada se destacará la amplia variedad del repertorio de Stern. Tras el exitoso estreno de un programa innovador titulado Las Cuatro Estaciones de Bach en el Bachfest de Leipzig el pasado junio, Stern retomará el proyecto en la Ópera Massy y en el festival Septembre Musical de l’Orne. En otoño, regresará al Curtis Institute of Music para dirigir las interpretaciones de Orfeo de Monteverdi en una nueva puesta en escena de John Giampetro. De regreso en Francia dirigirá la Ópera Fuoco en una original combinación de dos obras maestras de Leonard Berstein: la ópera Trouble in Tahiti y el ciclo de canciones Arias and Barcarolles. Titulada «Anatomía del Amor», será puesta en escena por Elsa Rooke para presentaciones en París y la Ópera de Massy en enero. Y en la Ópera de Palm Beach, su temporada presentará Los Pescadores de Perlas de Bizet y Rigoletto de Verdi. En abril, regresará a la Sinfónica de Shanghái, la Filarmónica de China y la Orquesta Sinfónica de Guangzhou para conciertos con los ganadores del Concurso Internacional de Violín Isaac Stern en Shanghái. Finalmente, Stern repondrá la producción de La Bohème de la Ópera Fuoco en Francia y Suecia.
David Stern ha sido invitado regularmente a la Paris Philarmonie, el Théâtre des Champs-Elysées, así como al Concertgebouw de Ámsterdam, los Festivales de Lucerna y Gstaad, el Theater an der Wien, la Konzerthaus de Viena, la Sala Sinfónica de Shanghái y el Festival de Música de Beijing. David Stern ha pasado temporadas recientes con la Ópera Lírica de Boston, la Ópera Zuid de los Países Bajos y los programas de ópera de la Juilliard School y el Curtis Institute of Music.
La pasión de Stern por trabajar con voces jóvenes surgió de su experiencia en la creación de la Académie International d’Art Lyrique en el Festival de Ópera de Aix-en-Provence con Stéphane Lissner en 1998. Colabora regularmente con programas para jóvenes artistas en Suecia, China y Estados Unidos, en particular en producciones con el Programa de Jóvenes Artistas de la Ópera de Palm Beach, la Juilliard School, el Curtis Institute y el Conservatorio Nacional CNSM de París. Consciente de la necesidad de comunicar, educar y transmitir a un público joven y cada vez más diverso, fue director invitado del proyecto Démos (la versión francesa del programa «Sistema») en la temporada 24-25. Futuros proyectos también incluyen El regreso de Ulises de Monteverdi con la célebre coreógrafa de hip-hop Anne Nguyen en la Ópera de Massy y la versión de Felix Mendelssohn de la Pasión según San Mateo de Bach que se presentará en primavera de 2027 en el Bachfest de Leipzig, como parte de la celebración del 300º aniversario de la obra.
David Stern ha grabado varias óperas poco comunes, como L’amor conjugale y Medea in Corinto de Giovanni Simone Mayr, y Zanaïda de Johann Christian Bach. Otras grabaciones incluyen Cantatas Románticas Francesas con Karine Deshayes y la Orquesta de la Ópera Fuoco, los conciertos para piano de John Field con Concerto Köln y Andreas Staier, así como obras de Albert Roussel con el chelista Jean-Guihen Queyras, el pianista Alexandre Tharaud y la Orquesta de Cámara de París. Dirigió la producción de la Ópera Zuid de La Dama en la Oscuridad de Kurt Weill, que ganó el premio a la mejor producción en los Países Bajos en 2022. Ha dirigido representaciones de la opereta yidish La Novia de Oro de Joseph Rumshinksy en París y Suecia; el estreno francés de Die Stumme Serenade, de Korngold; Los Sueños del Niño de Gil Shohat, basada en una obra de Hannoch Levin, con la Ópera de Israel; y Enemigos, una Historia de Amor, de Ben Moore, basada en un texto de Isaac Bashevis Singer, con la Ópera de Palm Beach.
Como director de orquesta, Stern ha dirigido recientemente actuaciones con la Orquesta Real de la Ópera Danesa, la Sinfónica de Viena, la Orquesta de Cámara de Viena, la Orquesta de la Sociedad Händel & Haydn, la Orquesta de Cámara Sueca, la Orquesta de Cámara de Basilea y la Orquesta Filarmónica de Lübeck. Es invitado habitual de la Filarmónica de la Radio NDR en Hannover, con la que grabó arias de ópera poco comunes de Florian Leopold Gassman.
Stern ha desempeñado un papel fundamental en el desarrollo de la escena musical clásica en China durante más de 20 años. Invitado habitual de la Orquesta Sinfónica de Shanghái, la Filarmónica de China en Beijing y la Orquesta Sinfónica de Guangzhou, también creó el Festival Barroco de Shanghái entre 2013 y 2019 y, desde 2016, copreside el jurado del Concurso Internacional de Violín Isaac Stern en Shanghái. Su interpretación de la Misa en si menor de Bach en 2019 fue la primera en 100 años, y sus interpretaciones de Serse y Alcina de Händel y el Servicio Sagrado de Bloch fueron estrenos para el público chino.
Thomas Gould, violinist
Described as an artist who “refuses to be defined by a single genre” (The Guardian), Thomas Gould is a violinist with wide-ranging musical interests and a flair for experimentation. His solo repertoire includes many contemporary works, and he has collaborated with some of the leading composers of our time including John Adams, Thomas Adès, Brett Dean, Karl Jenkins, James MacMillan, Nico Muhly and Max Richter.
Gould is leader of the chamber orchestra Britten Sinfonia with whom he often performs as soloist or director. He was formerly the leader and a founding member of Aurora Orchestra. Gould also enjoys a longstanding relationship with Sinfonietta Rīga, with whom he recorded Beethoven’s Violin Concerto and Vaughan Williams’s The Lark Ascending on the album Live in Riga.
Jazz has always been a keen interest for Thomas and he is fortunate to have worked with some of the biggest names in jazz including Burt Bacharach, Jacob Collier, Hiromi, Brad Mehldau and Marius Neset. He was the violinist in the popular swing band Man Overboard Quintet with whom he recorded two albums on Champs Hill Records. Gould curated his own jazz series at Kings Place called Gould Standard inviting long-term collaborators Tim Garland, Kristjan Randalu and Gwilym Simcock among others.
Recent highlights include the première performances with Bruckner Orchester Linz of a new concerto written for him and percussion by Johannes Berauer, a tour of Australia with Omega Ensemble performing Philip Glass’s Violin Concerto No. 2, and a return to Dartington International Summer School to give concerts and masterclasses.
Gould trained at the Royal Academy of Music where he is now a Fellow. He plays a violin made by Giovanni Battista Guadagnini in 1782.
Eric Hosler, violinist
Eric Hosler was born in Los Angeles. He studied with Endre Granat at California State University at Northridge, where he won the Most Talented Award, the Concerto Competition, Outstanding Student Award, was Symphony Concertmaster, and on the Dean’s List.
He continued his studies with Yumi Ninomiya in Philadelphia and Harry Shub in New York while he freelanced at the Philadelphia Ballet and the Philly Pops.
Between 1984-86 he was the first violin of the Feldman String Quartet and assistant concertmaster of the Virginia Opera. In 1986 he was named concertmaster of the West Virginia Symphony and first violin of the Montani String Quartet (in-residence). He was offered a Fellowship for Advanced String Studies at the Aspen Music Festival, and participared in regular National Pubilc Radio broadcasts nationwide. During this period he studied with Earl Carlyss of the Julliard String Quartet, Donald Weillestein of the Cleveland String Quartet and his true mentor, Arnold Steinhardt of the Guarneri String Quartet.
In 1989 Eric Hosler moved to Europe to work closely with Ivry Gitlis in Paris, and obtained a position in the Residentie Orchestra of The Hague in the Netherlands. There he later obtained first violin positions at the Rotterdam Philharmonic (under the direction of James Conlon, Jeffrey Tate and Valery Gergiev, respectively), and the Radio Philharmonic (under Edo de Waart).
More recently Eric has participated in top level Hollywood film scoring including such movies as A Beautiful Mind, Avatar, Indiana Jones 4, all three Pirates of the Caribbean, Seabiscuit, Last Samurai, Munich, Team America, Monsters, Inc., X-Men, Memoirs of a Geisha, Spiderman, Iron Man, and Cars. He has also collaborated regularly with John Williams in Steven Spielberg productions.
In 2011 Eric was invited to Bolivia to help launch the Bolivia Clasica string training program. He has since made several visits, teaching and performing across the country.
Alana Bennett, cellist
Cellist Alana Bennett-Garcia has built a dynamic and multifaceted career as both a performing artist and dedicated music educator. She is a graduate of New York University, where she studied under esteemed pedagogue Marion Feldman, and Indiana University, where she trained with celebrated chamber musician Sharon Robinson.
Alana’s versatility has led her to collaborate across a wide spectrum of genres—from performing with the Georgia Boy Choir to recording with hip-hop legend Common. She has appeared with notable ensembles including the New York String Orchestra, Columbus Symphony Orchestra (GA), and the Augusta Symphony. Alana is a founding member of the Mosaic String Quartet and currently serves as principal cellist of the DeKalb Symphony Orchestra. In addition, Alana is also part of the cello sections of the Atlanta Ballet Orchestra and Johns Creek Symphony Orchestra, as well as a regular performer with Atlanta Pops Orchestra.
A passionate educator, Alana maintains an active private studio and frequently coaches students at schools throughout metro Atlanta. She also serves as a sectional coach for the Metropolitan Youth Symphony Orchestra, inspiring the next generation of young musicians.
Francisco Vila, cellist
Vila is a soloist and chamber musician renowned for his sensitivity, penetrating sound and technical mastery of his instrument. His performance career spans Asia, Europe, and the Americas, where he has captivated audiences with his artistry, depth and unique sound.
Francisco has performed alongside celebrated artists such as Gary Hoffman, Cho-Liang Lin, Maria João Pires, Nobuko Imai, and members of the Juilliard String Quartet. His artistic journey has been shaped under the mentorship of iconic musicians, including Gary Hoffman at the prestigious Queen Elisabeth Music Chapel in Belgium, and the legendary cellist Janos Starker at Indiana University. Making his orchestral debut at the age of 14, he has appeared as a soloist with renowned orchestras worldwide, including the Houston Symphony, the Simón Bolivar Symphony Orchestra, the Liège Royal Philharmonic, the Royal Chamber Orchestra of Wallonia, the Santander Festival Orchestra, all principal orchestras in his native Ecuador, among others.
Aside from performance, Vila views teaching as an important aspect in music-making. In 2015, he founded the first International Music Festival of Esmeraldas (Ecuador).
Willem Stam, cellist
The Canadian-Dutch cellist Willem Stam is a founding member and 𝗮𝗿𝘁𝗶𝘀𝘁𝗶𝗰 𝗰𝗼𝗺𝗺𝗶𝘁𝘁𝗲𝗲 𝗺𝗲𝗺𝗯𝗲𝗿 of the New European Ensemble. Based in The Hague, he is known for his depth of expression, stylistic versatility, and commitment to music that bridges the past and present.
Willem performs internationally as a soloist, chamber musician, and conductor. His work spans centuries—from the early cello repertoire to cutting-edge contemporary music—and he is a passionate collaborator with living composers.
As the 𝗳𝗼𝘂𝗻𝗱𝗶𝗻𝗴 𝗰𝗲𝗹𝗹𝗶𝘀𝘁 𝗼𝗳 𝘁𝗵𝗲 𝗮𝗰𝗰𝗹𝗮𝗶𝗺𝗲𝗱 𝗬𝘀𝗮ÿ𝗲 𝗧𝗿𝗶𝗼 and a sought-after teacher, Willem brings a unique mix of performance and pedagogy to his artistry. He regularly teaches masterclasses in Canada, South America, and across Europe, including online instruction to a global network of cellists.
He plays a 1918 cello by 𝗦𝘁𝗲𝗳𝗮𝗻𝗼 𝗦𝗰𝗮𝗿𝗮𝗺𝗽𝗲𝗹𝗹𝗮 𝘄𝗶𝘁𝗵 𝗮 𝗩𝗶𝗰𝘁𝗼𝗿 𝗙é𝘁𝗶𝗾𝘂𝗲 𝗯𝗼𝘄, both made available by the National Instrument Foundation of The Netherlands.
Willem Stam is an artist who listens closely to history, to the moment, and to what music can still become.
Katharina Wolff, violinist
Solo violinist with the Opera Fuoco opera company, a Parisian ensemble specialising in repertoire from the Baroque period to the present day, Katharina Wolff is one of the most respected violinists playing period instruments in France and Germany.
Born in Germany, she began her studies in the United States, where she obtained her Bachelor’s degree from Yale University and her Master’s degree from the New England Conservatory of Music. She furthered her chamber music studies with Eugene Lehner and members of the Juilliard String Quartet during the summer academies at the Tanglewood Music Centre. There she played under conductors such as Leonard Bernstein and Seiji Ozawa.
Passionate about Baroque aesthetics, she continued her studies in Europe with Reinhard Goebel and joined his ensemble Musica Antiqua Köln. It was with this ensemble that she began to learn how to play period instruments. Katharina then continued her exploration of the Baroque repertoire as a soloist and chamber musician with the ensembles Capriccio Stravagante and Fuoco e Cenere before founding the opera company Opera Fuoco with David Stern and Jay Bernfeld.Following her debut with the Chamber Orchestra of Europe under Claudio Abbado and Nikolaus Harnoncourt, she turned her attention to orchestras playing period instruments, such as the Orchestre Révolutionnaire et Romantique (John Eliot Gardiner), Les Arts Florissants (William Christie), the Orchestre des Champs-Elysées (Philippe Herreweghe) and the Concerto Melante orchestra ensemble conducted by members of the Berlin Philharmonic Orchestra.
With Opera Fuoco, Katharina has participated in numerous recordings ranging from Handel’s operas to French Romantic cantatas, collaborating with singers such as Karine Deshayes, Danielle de Niese and Paul Agnew. She also performs in major concert halls in Europe and Asia.
In 2020, she founded the chamber ensemble Fuoco Obbligato. Based on the dramatic and rhetorical relationship between the soloist and the instrumentalist, this ensemble complements the programme of Opera Fuoco’s Atelier Lyrique.
Katharina plays a 1743 Ferdinando Alberti violin and an original Nicolas Pierre Tourte bow for the Baroque repertoire, as well as an 1800 Franziscus Geissenhof violin for the Classical and Romantic periods.
Michel Strauss, cellist
Michel Strauss studied with Paul Tortelier and Maurice Gendron at the Conservatoire in Paris, where he won first prizes for cello and chamber music, subsequently continuing his studies at Yale University with Aldo Parisot. In 1980 he became first cellist with the Philharmonic Orchestra of Radio France, and began teaching at the Paris Conservatoire in 1987. He also taught in The Netherlands, and was a jury member for a number of international music competitions.
Strauss has worked with a number of important contemporary composers such as Maurice Béjart, Luciano Berio, Pierre Boulez, Henri Dutilleux, Philippe Hersant, and Krzysztof Penderecki. A number of their works are dedicated to him. He also collaborated in film music with Jean-Luc Godard and worked for the music theatre in Avignon.
As a chamber musician Strauss has worked with pianists such as Jean-Claude Pennetier, Georges Pludermacher and Henriette Puig-Roget, violinists Gérard Jarry, Tibor Varga and Sandor Vegh, and violists Gérard Caussé, Serge Collot and Bruno Pasquier, as well as with his former teacher cellist Aldo Parisot.
Camila Barrientos, clarinettist
Camila Barrientos Ossio is the Principal Clarinet of the Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo. Originally from Cochabamba, Bolivia Camila has played with the New York Philharmonic, Saint Paul Chamber Orchestra, and Miami Symphony, among others. She has performed in venues including Carnegie Hall, Berlin Konzerthaus, the Kennedy Center, (le) Poisson Rouge and other unexpected concert spaces such as the St. Peter’s Basilica in the Vatican and the Island of the Sun in lake Titicaca. A passionate chamber musician, she is a former member of the award-winning quintet The City of Tomorrow. She earned both her bachelor’s degree and master’s degree from the Manhattan School of Music, and has appeared at the Banff Center of the Arts in Canada, the Britten Pears Festival in the UK and the MostArts Festival in Alfred, New York.
She is the co-founder and co-artistic director of La Sociedad Boliviana de Música de Cámara (The Bolivian Chamber Music Society.)
Ken Aiso, violinist
Internationally acclaimed violinist/violist Ken Aiso has performed worldwide as soloist, chamber and orchestral musician. Ken graduated form the Royal Academy of Music in London studying with Erich Gruenberg. His other teachers include Eduard Schmieder and Chikashi Tanaka. Equally at home with modern and period instruments, Ken has appeared as principal violin with the Orchestra of the Age of Enlightenment, the London Philharmonic, the Hallé and the Scottish Chamber Orchestras.
He has been invited to renowned music festivals in UK, France, Sweden, Switzerland, India, Georgia, Bolivia and Kazakhstan, and has taught at Montecito Summer Music Festival since 2008. Ken is a laureate of Long-Thibaud International Competition in Paris and International Music Competition of Japan, and was elected Associate of Royal Academy of Music in London. He received Shimousa Kan-ichi Music Award in his native Japan in 2018. Since moving to Los Angeles in 2015, Ken has been serving as faculty at Loyola Marymount and La Sierra Universites, and performs with Los Angeles Chamber Orchestra.
His belief in sound as a vibrational healing medium takes him to hospitals, schools and institutions for children with special needs.
Lydia Chen Argerich, violist
Born in Geneva, Lyda Chen studied the violin at the Geneva Conservatory in the class of Ayla Erduran then followed the teaching of Professor Lin Yao Ji at the Central Conservatory of Beijing.
Upon her return from China, she began studying law and obtained her license at the University of Geneva.
Her studies completed, she turned to the viola and developed a great affinity with the instrument and its repertoire.
Largely self-taught, she performs in concert in various formations, but it is in a string quartet that she has the opportunity to follow Gabor Takacs’ chamber music lessons at the Geneva Conservatory.
The first musical encounters with her mother Martha Argerich opened the way to many musical experiences, offering the possibility of working with fantastic musicians. She has been invited to the Verbier Festival, La Roque d’Anthéron and Les Folles Journees de Nantes or Tokyo, as well as to the Festspielen in Salzburg and Progetto Argerich in Lugano.
She performs chamber music in venues such as Tokyo Triphony and Sumida Halls, Teatro Colon, Salle Pleyel, the Salzburg Mozarteum and Shanghai Grand Theater, and performs as a soloist at the Tonhalle in Zürich.
She is invited to play in several orchestras, Japan New Philharmonic Orchestra, Orchestra della RSI, the China All Star Orchestra as well as the Western Eastern Divan Orchestra, and gives viola and chamber music master classes in Spain, France, China and Latin America.
In 2019, Lyda Chen Argerich founded Arch Music Academy, whose projects in China, Europe and Latin America favor a multidisciplinary approach to the practice of music and the instrument.
Among the recordings made for the EMI at the Lugano Festival are the quartets of Beethoven, Dvorak, Schumann, Faure, as well as the quintets of Franck, Shostakovich, Zarebsky, Granados, alongside Ivry Gitlis, Gabriela Montero, Mischa Maisky and Martha Argerich.
Jennifer Stumm, violist
Violist and director Jennifer Stumm blazes a courageous creative path with diverse projects mixing sheer musical enthusiasm with boundary-breaking artistic direction and committed advocacy for social equity. Known for the “opal-like beauty» (Washington Post) of her sound, Jennifer appears on the world’s great stages like Carnegie Hall, Berliner Philharmonie, Kennedy Center, and the Concertgebouw Amsterdam. She is winner of the William Primrose, Geneva and Concert Artist Guild competitions (and the first violist ever to win first prize.) The 2022-23 season brings appearances at festivals around the world, Jennifer’s debut in the large hall of the Concertgebouw Amsterdam, solo tours of Ireland and the UK and a new album with São Paulo Chamber Soloists. She also makes her Lucerne Festival debut, as both director and violist in a new staged program from Ilumina called “The Nature of Light.”
Jennifer is founder and director of Ilumina, the São Paulo-based artist collective and social equity initiative, which has ascended rapidly to prominence as a modern model for 21st century creativity and the advancement of diverse talent. Ilumina unites leading international soloists with the best rising talent from Latin America, working and performing side-by-side at the Ilumina festival and on tour around the world, with the goal that worthy talent receives an equal chance to shine. Ilumina young artists regularly study at leading international universities and have entered the highest echelons of the field. Jennifer’s flair for curation and stage direction has received much attention, and Ilumina concerts invite listeners to be immersed in dynamic musical worlds, steadfastly committed to interpretation, powered by the freshness and energy of cultural exchange.
Jennifer is in much demand as a speaker about diversity, talent development and the future. She regularly interacts with the innovation and technology sector about how artistic thinking can impact progress, productivity and the world of ideas. She was invited to speak at NASA’s Cross Industry Innovation Summit in Houston and is a member of the Ecosystems 2030 collective, working with global thinkers on what the future will look like. Her viral TEDx talk about the viola and the blessings of being different, “The Imperfect Instrument,” was named an editor’s pick of all TED talks and led to a solo debut at the Berlin Philharmonie.
Jennifer has released two celebrated solo albums. Her debut recording for Naxos’ Laureate Series featured works by Italian composer/violist Alessandro Rolla, hailed as «an absolutely phenomenal display of virtuoso viola playing» (The New Recordings.) She next released her album of Berlioz’s Harold In Italy and performed the work in her unique staging and characterization almost fifty times. A recipient of the prestigious BBC New Generation artist and Borletti Buitoni Trust awards for her work in chamber music, she appears at major festivals such as Verbier, Marlboro, Stavanger, Spoleto, Aldeburgh, Delft and IMS Prussia Cove and regularly appears with Spectrum Concerts Berlin and as a trio with cellist Jens-Peter Maintz and Kolja Blacher.
Jennifer Stumm is Professor of Viola at the Music and Arts University of the City of Vienna, International Chair of Viola Studies at the Royal College of Music, London and gives masterclasses around the world. Since her school days teaching strings in the Atlanta inner city, she has devoted considerable time to supporting young musicians from culturally and economically diverse backgrounds, both in person and online.
Born in Atlanta, Jennifer first heard the viola when she was eight and, enchanted by its sound, began playing in her school’s orchestra. She studied with Karen Tuttle at the Curtis Institute of Music and the Juilliard School, with Nobuko Imai in Amsterdam as well as with Steven Isserlis at IMS Prussia Cove, and also pursued interests in politics at the University of Pennsylvania.
Jennifer plays a Gasparo da Salò viola, 1589, generously on loan from a private trust.
Gregor Riddell, cellist & composer
Gregor Riddell plays the cello and writes music.
He has been a member of the Solstice Quartet, Living Room in London, KGB, Tre Voci and Odysseus Piano Trio with whom he performed and toured across Europe at venues and festivals including the Wigmore Hall, Union Chapel, Southbank Centre, Edinburgh Festival, Musikverein (Vienna), Musée d’Orsay (Paris), among others.
Alongside his own projects, he’s written music for Galya Bisengalieva, Duo TÖ, the BEAST (Birmingham University), Asamisimasa and Cikada. Having written for the London Contemporary Orchestra, Gregor is also a principle player and has collaborated with artists including Radiohead, Hildur Guðnadóttir, Sarah Davachi, Actress and Emilie Levienaise-Farrouch.
In 2022, he arranged a solo modular synthesizer work by Qasim Naqvi for string ensemble, piano and dancers premiered at Podium Festival followed by a Cikada Ensemble performance at Ultima Festival in September.
He is a member of duo project Tlön with violinist/composer Sara Övinge and will release their debut album ‘Reality’ on Jazzland Records in early 2025. They will perform a 19 piece string orchestral arrangement of the record with DNK at Ultima Festival in September 2025.
Following the release of debut album UNDA (2019) and reworks (2021) on Focused Silence, duo project BirdWorld made their Edinburgh Fringe debut in August 2024 and will release of their second album ‘Nurture’ on Norwegian label Dugnad in spring 2025.
In April 2024, alongside Shana Mathai, he co-hosted a Gaza relief concert at Victoria National Jazzscene where all ticket proceeds went towards Norwegian charity Redd Barn that supports vulnerable children in the region. Performing with Shana, Bugge Wesseltoft, Sanyu and Javid Afsari Rad, the concert also featured renowned Oslo-based artists Ibou Cissokho, Harpreet Bansal, Trio Djup and Pål Hausken.
He co-runs an Oslo-based online platform with Torkjell Hovland called SVS broadcasting adventurous music from the Nordics.
He recently set up a versatile Oslo-based session orchestra called OBO which will perform their debut concert with Sigur Rós at Oslo Spektrum on 28th November 2024.
Gregor will write the music for a new clown theatre project based on trolls with Anne Marie Synstad Simonsen, Cecily Audrey Nash and Marie Kallevik Straume which will premiere in 2025.
Gregor was born in London, studied music at Cambridge University and composition at the Royal College of Music. He works mostly between Norway and the UK and lives with his family in Oslo.
Marie-Francoise Pallot, violinist
Born in Nice, she began playing the violin at the age of four and a half. After studying at the Aix-Provence Conservatoire, she entered the Paris Conservatoire (CNSM) at the age of 12, studying under Pierre Doukan. Given her very young age, she then perfected her skills at the CNSM in Lyon in the class of Veda Reynolds, former professor at the prestigious Curtis Institute in Philadelphia, where she brilliantly obtained her national diploma in higher musical studies. She then continued with Gérard Poulet for three years before attending the prestigious Walter Stauffer Academy in Cremona in the class of Salvatore Accardo. After obtaining scholarships from the Franco-American Commission and the Ministry of Culture, which are awarded twice a year, she joined the University of Indiana in Bloomington, USA, in Franco GULLI’s class for several years before becoming his assistant. She also took chamber music classes with masters such as Rostislav DUBINSKI (Borodin Quartet) and Janos STARKER.
Upon her return to France, she spent five years studying the great Russian violin tradition with maestro Igor Oistrakh at the Koninklijke Conservatorium in Brussels.
At the same time, she and her trio were accepted into the renowned Pro Quartet course in Paris.
She went on to tour throughout France with a youth music project called ‘Le Violon d’Ingres’. At the same time, she obtained a specialised trio diploma from the CNSM in Lyon.
She was awarded first prize at the international violin competition in Stresa, Italy.
She toured South America for a month, playing in Bolivia and then China, where she performed in the prestigious concert hall of the Forbidden City in Beijing, an honour rarely bestowed, alongside musicians such as Lyda Chen Argerich, Vladimir Sverdlov, Lorenzo Gatto, Christophe Moreau and Alexander Ghindin.
She has played with Emile NAOUMOFF, Alain MEUNIER, Tasso ADAMOPOULOS, Rebecca CHAILLOT, Laurent KORCIA, Isabelle LEQUIEN, Xavier GAGNEPAIN, Nicolas MALARTE, Raphael CHRÉTIEN, Aline BARTISOL, Helene DAUTRY, Andrea CROCE and Guglielmo DE STASIO. She has participated in numerous workshops in France and Italy with the Sardegna Music Festival.
She currently teaches at the CRR in Boulogne-Billancourt and performs in numerous concerts around the world.
Torun Sæter Stavseng, cellist
Torun Sæter Stavseng is a Norwegian cellist with diverse musical interests active as a soloist, chamber musician, orchestral leader and teacher. In 2010 she was awarded the Swedish Royal Academy of Music honorary prize after her debut in Britten ́s Cello Symphony with Stockholm Royal Philharmonic Orchestra. In the same year she was awarded the Young Swedish Soloist prize and offered the principal cellist position of Helsingborg Symphony Orchestra.
Torun has formed various ensembles with a broad span of repertoire including Duo TÖ with Swedish pianist Anna Christensson, Tre Voci alongside cellists/composers Gregor Riddell and Colin Alexander and TrioTaus with close long term friends, violinist Liv Hilde Klokk and violist Ida Bryhn. She is a member of Cikada Contemporary Ensemble and creative director of KRANTZ Chamber Music Series.
As an orchestral leader she has worked with Royal Opera Stockholm, Norwegian Radio Orchestra and Norwegian Chamber Orchestra. She is currently teaching cello at the Arctic Conservatory of Music Tromsø (Norway) and plays a cello by Matteo Goffriller (1725) on generous loan from Dextra Musica/Sparebankstiftelsen.
Cergio Prudencio, conductor & composer
Researcher, teacher, cultural manager and poet. His musical work is inextricably linked to the Experimental Orchestra of Native Instruments (OEIN), with which he achieved continental and international renown. In the audiovisual field, Prudencio’s music accompanies more than fifty film, video and dance titles. He received the 2023 Platino Award and the ‘Diploma de San Pablo al Mérito Cultural’ (UCB). He was a Guggenheim Foundation fellow, president of the Cultural Foundation of the Central Bank of Bolivia and deputy minister of Interculturality.
Mimi Zweig, violinist and educator
Mimi Zweig is currently Professor of Violin at the Indiana University Jacobs School of Music – and serves as Director of the school’s String and Summer String Academies. A student of Louis Krasner, Raphael Bronstein, Samuel Kissel, and Tadeusz Wronski, Mimi has since 1972 worked consistently on developing pre-college string programs across the United States. In 2019 Mimi Zweig was the recipient of the ASTA Artist Teacher Award. Her famed students, including Joshua Bell, have won numerous competitions and teach and perform worldwide.
Mauricio Cardenas, orchestral coach
Gabriel Bilbao, violinist
Gabriel Bilbao is a Bolivian violinist based in London, where he maintains an active freelance career performing with the London Philharmonic Orchestra, the City of Birmingham Symphony Orchestra, Royal Northern Sinfonia, Bournemouth Symphony Orchestra, and the Orchestra of the Royal Opera House. He is also a member of the Medea String Quartet.
Gabriel studied at the Royal Academy of Music with Alex Redington and Jack Liebeck, supported by a full scholarship jointly awarded by the Royal Academy of Music and the Bolivia Clásica Foundation. Before moving to the UK, he began his musical education in Tarija at the Instituto de Música Mario Estenssoro, continued at the Escuela Municipal de las Artes de El Alto, and later became a long-term student of the Programa de Educación Musical de Bolivia Clásica.
As a soloist, Gabriel has appeared with the Bolivia Clásica Chamber Orchestra, the Bolivian National Symphony Orchestra, and the NSO–SMI Orchestra. His festival appearances include the Verbier Festival, Festival Música nas Montanhas, Norfolk Music Festival, Southwell Music Festival, Mendelssohn on Mull, TakuApu Festival Internacional Samaipata, and the BBC Proms.
Since his time at the Royal Academy of Music, Gabriel has collaborated with conductors such as John Wilson, Sir Mark Elder, and Marin Alsop. He has performed in venues including the National Auditorium in La Paz, Wigmore Hall, Salle des Combins, Cadogan Hall, and the Kennedy Center in Washington, D.C.
Gabriel is deeply committed to the social impact of music. He has taken part in hospital outreach in Bolivia and has been involved in Música para Respirar, a Bolivian initiative created during the pandemic to bring live music and connection to listeners across Latin America, Spain, and Australia.
Paul Desenne, cellist & composer
Born in Caracas, Venezuela, in 1959, Desenne was an honors graduate from the Conservatoire Supérieur de Paris. There, he pursued cello performance with professor Michel Strauss, playing various musical genres from classical music to Venezuelan Creole melodies, before taking up composition studies.
After returning from Paris, Desenne joined the Simón Bolívar Symphony Orchestra and was El Sistema‘s resident composer. Desenne’s works have been performed in major venues around the world, including Alice Tully Hall at the Lincoln Center for the Performing Arts and at Carnegie Hall. On 4 September 2016, Desenne’s work Hipnosis mariposa was premiered at The Proms by Simón Bolívar Symphony Orchestra conducted by Gustavo Dudamel. His accolades included the prestigious 2009 Guggenheim Scholarship and the 2010 Fellowship of the Radcliffe Institute of Harvard University.
Manuel Castellanos, traditional music
Manuel Castellanos is a seasoned and passionate teacher and musician with over 20 years’ experience training young people in his native Colombia, where he set up a highly successful music school in Villa de Leyva.
The Manigua Method Colombia has developed research, training and production processes in traditional music and mestizo performing arts within rural and urban communities and educational institutions, benefiting approximately 30,000 children and young people in 10 municipalities in Colombia and other countries.
Sara Parfitt, violista
La violista Sarah Parfitt se formó en la Royal Academy of Music de Londres.
Tiene una vasta experiencia tocando en los mejores conjuntos orquestales y de cámara de Gran Bretaña, así como enseñando a niños desde una edad muy temprana hasta niveles avanzados, incluyendo a los menos privilegiados, discapacitados y aquellos con discapacidades de aprendizaje. La Sra. Parfitt ha enseñado violín y viola en instituciones como la Universidad de Oxford, la Escuela Westminster de Londres, la City of London School for Girls, City of London School for Boys, y también fue directora adjunta de la Escuela de Música Stoke Newington de Londres.
Pedro Gadhela, double bassist
Brazilian-born double bass player Pedro Gadelha studied at the University of São Paulo in Brazil and in the Orchestral Academy of the Berlin Philharmonic. His teachers include Rainer Zepperitz and Klaus Stoll. Gadelha is currently principal bassist of the Sao Paulo State Symphony and was formerly a member of the Frankfurt Opera Orchestra. As a bass section leader, he has worked with the Deutsches Sinfonie-Orchester Berlin, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, WDR-Sinfonieorchester Cologne, the Madrid Symphony Orchestra, Galicia Symphony and the Rouen Opera. Pedro Gadelha is also a frequent collaborator with European ensembles as the Ensemble Modern and the Berlin Philharmonic Orchestra, where he has worked with such conductors as Claudio Abbado, Georg Solti, Seiji Ozawa, Simon Rattle, Zubin Mehta, Daniel Barenboim and Pierre Boulez. He teaches at the Sao Paulo State Music School and has given lectures and masterclasses in many countries, including the Paris Conservatoire, Georgia State University and schools and festivals in France, Chile, Colombia, Argentina, Bolivia, Spain and Hong Kong.